EXHIBITION 

»POLAROID RAGE» & »BLACK IS BEAUTIFUL«

BY SLAVA MOGUTIN 

»Polaroid Rage« zeigt eine Sammlung an Polaroids, welche Geschichten von Menschen durch das Prisma von Mogutins persönlicher Migrationserfahrung erzählen. Minderheiten, sozial Ausgestoßene und Außenseiter, Menschen am Rande der Gesellschaft, marginalisierte Leben und Seelen, die in der Mainstream-Kultur nicht objektiv vertreten sind, finden ihren Platz in Mogutins Kunst und Abbild in der Serie. »Polaroid Rage« ist eine Fotoserie bestehend aus einzelnen Polaroids, welche in erzählerischer Form und Kombination die individuellen Geschichten und Schicksale der Portraitierten erzählen. 

»Black is Beautiful« ist die neuste Serie von Mogutin und schließt sich an die Black Lives Matter Bewegung an. Die internationale Bewegung entstand dieses Jahr in den USA und richtet sich gegen (Polizei)Gewalt gegen Schwarze und People of color. Die bisher unveröffentlichten Fotografien fügen sich thematisch in das Schaffen und die Ausrichtung von Mogutins Werk und ergänzen dieses um einen weiteren starken Fokus.

Slava Mogutin wurde in Sibirien geboren und ist ein in New York ansässiger Multimedia-Künstler und Autor, der aufgrund seiner queeren Schriften und seines Aktivismus aus Russland verband wurde. Als Schriftsteller der dritten Generation und autodidaktischer Journalist und Fotograf war er der erste Russe, dem aufgrund homophober Verfolgung politisches Asyl in den USA gewährt wurde. 

Mogutins Arbeit basiert auf seinen Erfahrungen mit bikulturellen Dissidenten und Flüchtlingen und untersucht die Begriffe Vertreibung und Identität, Stolz und Scham, Hingabe und Unzufriedenheit, Liebe und Hass. 

Mogutin ist Autor von sieben Büchern mit russischen Schriften sowie drei Monographien über Fotografie, Lost Boys, NYC Go-Go und Bros & Brosephines sowie zwei illustrierten Gedichtsammlungen, Food Chain und Pictures & Words. Er ist der Gewinner des Andrei Bely-Preises für Lyrik und des Tom of Finland Foundation Award für künstlerische Leistungen.

Preisliste

SLAVA MOGUTIN'S KÜNSTLER STATEMENT

"My Existence = My Resistance 

For over two decades, I’ve been documenting youth cultures and queer lives in my native Russia and around the world. I tell real stories of real people through the prism of my immigrant experience. Minorities, social outcasts and outsiders, people on the fringes of society, marginalized lives and souls that don’t have objective representation in mainstream culture have found their place in my writings and art. 

Over the years, my creative practice has evolved beyond text, photography and performance to film and multimedia. Drawn on my dissident and refugee journey, my work has as much to do with a personal point of view as with social commentary and political activism. For me, the personal is political and the political is personal. 

At the time when our fundamental constitutional rights are under attack, I believe that my imagery can serve as an effective weapon against hypocrisy, bigotry, and censorship. I want to shine light on the darkest corners of human nature and sexuality as a way to understand and peacefully coexist with each other. Because being different is a blessing, not a curse." (MOGUTIN, 2020) 

STUTTGARTER GALERIENRUNDGANG 

ART ALARM 

19. & 20.  SEPTEMBER 

SAMSTAG: 11 – 21h

SONNTAG: 11 – 18h

Wir sind zum dritten Mal Teil des Rundgangs, welcher durch eine Vielzahl an Stuttgarter Galerien führt. Die Galerien bieten ein breites Spektrum an Gegenwartskunst – in allen denkbaren Ausdrucksformen. Wir zeigen unsere aktuelle Ausstellung von Slava Mogutin, welche sich mit Identitäten und Migration beschäftigt.

Mehr Informationen zum Rundgang finden Sie hier.

Eine Initiative von GK und ɅMEN sowie Künster*innen, Wissenschaftler*innen und Nachhaltigkeitsaktivist*innen, um gemeinsam die Nutzung der negativen CO2-Emissionen von Myzelverpackungen zu vermitteln. 

OPENING 5. SEP 2020, 20.00 UHR 

● Main Floor: Mushroom Installation & die Arbeit magic mushroom von der Fotografin Ellen von Unwerth 

● Basement: psicodelia synthesis von Oskar Metsavaht

● mushroom conversations von Steve Rachmad

● IGTV LIVE täglich von 19.00 bis 19.20 Uhr @amencandles 

● Kombucha in verschiedenen Geschmacksrichtungen von perge

MEXICO CITY TRIFFT AUF STUTTGART – EAT-ART TRIFFT AUF READYMADE

»Taxi, Taco, Telmex« zeigt einen Streifzug durch Mexico City – auf der Suche nach dem Schauplatz des Alltags, nach einer Analogie der Realität. Gefunden wurde auf diesem Streifzug eine Reihe an demolierter Taxis sowie funktionsuntüchtige Festnetztelefonzellen der Firma Telmex. Künstler Kai Fischer hielt diese Eindrücke in zwei Fotoserien fest: »Downtown Taxi Libre« und »Américan Móvil«. Bei der Vernissage der Ausstellung »Taxi, Taco, Telmex« am 1. August um 20.00 Uhr werden die beiden Serien um eine weitere Komponente ergänzt: Alejandro Reyes bereitet frische mexikanische Tacos im Hof der Galerie zu. Diese werden durch die Performance Ni Maiz‘ in die Ausstellung integriert sowie zum Essen angeboten.  Die Ausstellung wird vom ersten bis zum 16. August 2020 in den Räumlichkeiten der Galerie Kernweine gezeigt. 

2018 machte sich Kai Fischer im Rahmen seines Auslandssemester auf den Weg nach Mexico City. Was ihm dort sehr schnell auffällt ist die stadtbildprägende Präsenz von Taxis sowie Telefonzellen. Was die Objekte verbindet ist ihre Funktionsunfähigkeit sowie ihre dadurch gegebene Individualität – welche von der ursprünglichen Intension der Produktionsreihe abweicht. Die Ausstellung »Taxi, Taco, Telmex« zeigt die Gegenstände der Bildreihen in einer an der Wirklichkeit angelehnte Kombination.Des weiteren ist die Arbeit »Todavía estoy vivo« im Keller zu sehen - angelegt als installatives Reisetagebuch.

Die Begegnung mit dem Künstler Alejandro Reyes vervollständigte den Aufenthalt in Mexiko durch Einblicke die Alltagskultur Mexiko Cities, gefolgt von gemeinsamen Ausstellungsprojekten wie »Pulque para tres«. 

Ni Maiz‘ – direkt übersetzt ‚kein Mais‘ oder im Slang ‚Auf keinen Fall’ – ist eine Performance von Alejandro Reyes, die Möglichkeiten der Kooperation, des Austausches sowie des Gebens und Nehmens auslotet. Obwohl Mais seit fast 500 Jahren in Europa angebaut wird, wird er hier meist als Tierfutter verwendet. Das Geheimnis der Nixtamalisation, ein Prozess, in welchem Mais in Kalkwasser gekocht wird und durch den der Mais seine hohe biologische Wertigkeit erhält, wurde von den spanischen Kolonialisten auf ihren Raubzügen nicht aufgedeckt. Noch heute zeigen sich Menschen in Europa skeptisch, ob und wie man Mais genießbar zubereiten kann. Um diesen verloren gegangenen Kooperationsprozess aufzuholen wird Alejandro Reyes im Hof der Galerie Kernweine 101 selbstgemachte, frische Tacos zubereiten. Am Ende des Abends wird die 101ste Serviette als Spur in der Ausstellung zurückbleiben und symbolisch ausgestellt. 

Mit der Ausstellung »Taxi, Taco, Telmex« entsteht eine weitere freundschaftliche Kollaboration zwischen Mexiko City und Stuttgart, zwischen bildender Kunst und Kulinarik. Kai Fischer lebt und arbeitet in Stuttgart. Er studiert Kunst an der Akademie der Bildenden Künste bei Prof. Ricarda Roggan und Prof. Reto Boller. Alejandro Reyes lebt und arbeitet in Mexico City. Zuvor studierte er Kunst, unter anderem an der HBK Braunschweig in der Klasse von Raimund Kummer.

»BEFORE«

Als cinematografische Antwort auf die COVID-19-Pandemie schuf das unabhängige Studio 1001 mit Sitz in Mailand BEFORE, einen Kurzfilm über das Leben im Lockdown.

BEFORE ist ein Einblick in die zunehmende Paranoia einer jungen Frau, die während der COVID-19-Pandemie in ihrem Haus eingesperrt war. Ihre inneren Kämpfe stehen stellvertretend für die Gefühle denen wir alle während der Monate der Abriegelung ausgesetzt waren. Das sich daraus ergebende Drama kapselt sowohl das Kabinenfieber als auch die Paranoia ein, die durch das Leben im Lockdown entstehen kann.

Für die Produktion von BEFORE stellte sich vor allem die Herausforderung auf die übliche Form der Zusammenarbeit verzichten zu müssen, da alle Personen dezentral voneinander im Lockdown waren. Es wurde eine alternative Art der Produktion entwickelt, indem Gabriele Rossi (Director) alles über digitale Plattformen steuerte: Die Kameraeinspeisung wurde per Live-Streaming über Online-Kommunikationsplattformen übertragen, ihre Verwendung neu interpretiert und in einer diversen Form des ferngesteuerten Arbeitsablaufs umgesetzt.

Der Einsatz von Streaming, Konferenzprogrammen, Online-Kommunikationsplattformen, Fernsteuerung und menschlicher Zusammenarbeit machte BEFORE möglich.

Zu sehen im Untergeschoss der Galerie Kernweine.

Direktor: Gabriele Rossi (@grlrss)
Geschichte und Drehbuch: Giorgio Viscardini (@smiur) und Gabriele Rossi (@grlrss)
DOP: Giovanni Emilio Galanello (@gegalanello)
Schauspielerin: Francesca Gotti (@frncscgtt)
Stimmen: Jacopo Abbate, Martina Mitrović und Simone Sala
Musik und Sounddesign: Alberto Ladduca (@thereduke)
Techniker für digitale Bildverarbeitung: Federico Caputo (@johnmurd)
Herausgeber: Gabriele Rossi (@grlrss)
Produktion: 1001 (@unozerozerouno)

Abspann "Atlantico" von Mille Punti (@mille_punti.it)
Musik und Texte: Edoardo Bassi
Aus dem Album "Retrofuturo"
©Vetro Dischi 2019 (alle Rechte vorbehalten) (@vetrodischi)

Surreale Wahrnehmungswelten

Vernissage: 25. Januar um 20.00 Uhr 

Ausstellungsdauer: 25. Januar – 3. Mai 2020 (Verlängerung!) 

ENZYKLOPÄDIE 

Jeder Mensch fasst den Moment anders auf, erinnert sich unterschiedlich und geht verschieden mit dem Erlebten um. Fotograf Alexander Binder hinterfragt in seiner Ausstellung Enzyklopädie, die vom 26. Januar bis zum 3. Mai 2020 in der Galerie Kernweine gezeigt wird, die von uns erfahrene (Alltags-)Realität und löst den engen Bezugsrahmen unserer Wahrnehmung auf. Die Fotografien wirken schemenhaft, verschwommen – es geht es um die eigene, innere Deutung des Gesehenen.

Ganz offen bedienen sich die Arbeiten der Ausstellung Enzyklopädie der Haltung und Themen des Symbolismus des späten 19. Jahrhunderts: Natur, Mystik und Mythologie bilden einen geheimnisvollen Kosmos, auf den man sich eher emotional einlassen muss, als dass es etwas rational "zu verstehen" gibt. Die Fotografien wirken vielmehr wie Gedankensplitter, die sich erst in der Vorstellungswelt des Betrachters mit Details füllen – um dort ihr ganz eigenes Leben zu entfalten.

Die Enzyklopädie wird in Binders Ausstellung als ein Nachschlagewerk der eigenen Erinnerungen gesehen: Flora und Fauna geben sich vage zu erkennen und erscheinen teils in leuchtender Farbigkeit, teils in schwarzweiß. Die Bilder entziehen sich bewusst unserem konzeptionell-strukturierten Denken und unserem Hang, Dinge räumlich und zeitlich exakt verorten zu wollen. 

Die Fotografien wurden im Schwarzwald, Italien, England und in Indien aufgenommen. Der Entstehungszeitraum der Arbeiten bleibt jedoch unbestimmt: Binder entdeckt die Fotografien oft erst nach Jahren wieder, um sie dann in gänzlich veränderte Sinnzusammenhänge zu stellen. Spiritualität und Kult in (sur-)realen Formen bilden dabei einen übergreifenden Rahmen.  

Alexander Binder (*1976 in Pforzheim) lebt und arbeitet in Stuttgart. Sein Schaffen zeichnet sich durch die Verknüpfung von digitaler und analoger Fotografie aus – Binder kombiniert moderne Spiegelreflexkameras mit alten und selbst gebauten Objektiven. Die so entstehenden Aufnahmen sind durch Unschärfen, Blendenflecke und zufällig entstehende Reflexionen geprägt. Auf diese Weise entfliehen die Arbeiten der nach Perfektion strebenden Hightech-Welt heutiger Kamerasysteme. 
In den letzten Jahren veröffentlichte er in zahlreichen Kunst-, Foto- und Lifestyle-Magazinen, Einzel- und Gruppenausstellungen (u.a. in Warschau und Montréal) sowie Teilnahmen an Festivals, wie z.B. „Voies Off“ in Arles, ergänzen seine künstlerische Praxis.

Vernissage: Am 9. November, 20.00 Uhr
Performance von Friedemann Vogel (1. Solist des Stuttgarter Balletts) und Les Six

Liquid Skin: Ausstellung von Thomas Lempertz vom 09. November 2019 bis 12. Januar 2020 in der Galerie Kernweine.

Künstler Thomas Lempertz fasst Raum über dreidimensionale Bewegungen in Objekte und untersucht in seiner Serie Liquid Skin, die vom 10. November 2019 bis zum 12. Januar 2020 gezeigt wird, menschliche Ausdrucksformen über das Organ der Haut. Haut, die den Körper als Form fasst, bekommt durch die Fähigkeit der Bewegung und der Impression eine Mittlerfunktion zwischen dem eigenen Selbst und der Außenwelt. Die Serie Liquid Skin beschäftigt sich mit dieser Zwischenebene und fragt: Wie fühlt man sich in seiner eigenen Haut? Was bedeutet Haut, wenn man sie als Oberfläche des menschlichen Körpers betrachtet? Wie werden Geschlechterrollen durch die Darstellung von Körpern geprägt? Und wie prägen gesellschaftliche Entwicklungen unseren Umgang mit dem eigenen Körper? Zur Vernissage, am 9. Novemeber um 20.00 Uhr, wird eine Performance mit Friedemann Vogel – Solotänzer des Stuttgarter Ballett – und dem musischen Kollektiv Les Six, stattfinden.

Der Ausgangspunkt der Serie Liquid Skin befindet sich im Körper, genauer gesagt, im Organ der menschlichen Haut. Als größtes verbindendes Element des Körpers dient Haut als Metapher für Fluidität sowiefür Einheit und Gleichheitdurch seine globale Analogie. Ohne Kleidung, die so oft Personen definiert, wird Haut zu einem verbindenden Faktor, der Menschen ohne Künstlichkeit enthüllt.So bildet Haut einerseits ein reines und klares Element,das für Echtheit steht und andererseits eine individuelle Form, die Raum für Interpretation lässt.

Liquid Skin zeigt eine Reihe von Hochglanzobjekten, die sich über ihre Beschaffenheit weitergehend mit einer Untersuchung der Oberflächlichkeit der Gesellschaft befassen. Sozialen Medien haben ein Streben nach hautnaher Perfektion angeregt, sorgfältig kuratierte Bilder des idealen Selbst und des idealen Lebens werden kontinuierlich präsentiert. Die Serie dient somit als Spiegelbild der Besessenheit von allem Glänzenden und als Kommentar zur künstlichen Manipulation der Gesellschaft, inder Hoffnung, dass Menschen unter der Oberfläche nach der Schönheit im Inneren suchen.

Lempertz’s Arbeiten sind gekennzeichnet durch ein experimentelles Arbeiten mit Raum. Dreidimensionale Bewegungen werden über diverse Materialitäten und Verfahren festgehalten und in Objekte übertragen. So dienen Fotografien oft als Basis für ein weiteres Abreiten mit Silikon – ein Material, welches durch seine Beschaffenheit die Fertigstellung eines Werks innerhalb einer bestimmten Zeit vorschreibt. Ohne die Möglichkeit zur Optimierung oder Vorbestimmung des Endprodukts setzt die Arbeit mit Silikon eine unvermeidliche Zufälligkeit voraus, die Akzeptanz erfordert und jede Infragestellung ablehnt. Die Arbeiten der Serie Liquid Skin zeichnen sich durch ihre individuelle Einzigartigkeit in einem festen Rahmen aus: Über aufeinandergesetzte Ebenen, Akzente durch Farbe, das Spiel zwischen abstrakten Formen und realistischen Abbildungen, sowie einem Kontrast zwischen der Flexibilität des Materials auf der einen Seite, und dessen langjährigen Beständigkeit, auf der anderen Seite. 

Thomas Lempertz, geboren in Pforzheim, studierte Tanz an der John Cranko Schule und war später Teil der Company des Stuttgarter Balletts, unter anderem als Solist unter Reid Anderson. Nachdem er seine Karriere als Tänzer 2003 beendete widmete er sich dem Bereich des Kostüms und studierte „Intermedia Arts“ an der Akademie der bildenden Künste Stuttgart. Sein Schaffen zeichnet sich durch die Verbindung der Disziplinen Performance, Tanz, Fotografie und Objektkunst aus. 

EINLADUNG ZUR VERNISSAGE AM 11. OKTOBER UM 20.00 UHR IN DER GALERIE KERNWEINE

ERÖFFNUNG UND TALK MIT FOTOGRAFIN ZARA PFEIFER UND PHILIPP ZIEGLER (ZKM).

Geteilter Raum: Eine fotografische Gegenüberstellung

Was sind die Bedürfnisse von Menschen im Wohnraum? Wie können zukünftige Lebenskonzepte im Postfordismus aussehen? Wie können geteilte und mehrfachgenutzte Räume gestaltet werden? 

Das Stuttgarter Forschungsprojekt Reallabor Space Sharing beschäftigt sich mit diesen Fragen – Fragen über Raumnutzungen, Nutzungsüberlagerungen und -intensivierung. In Kooperation mit Fotografin Zara Pfeifer, die in ihrer Serie Du, meine konkrete Utopie den Wiener Wohnpark Alt-Erlaa untersucht – ein Referenzprojekt zum Thema „geteilter Raum“ – wird vom 12. Oktober bis zum 2. November die Galerie Kernweine bespielt.

In der gemeinsamen Ausstellung Sharing Happiness wird die Stuttgarter Wohnanlage Asemwald, auch genannt Hannibal (Otto Jäger, Werner Müller: 1958 – 1972), der Wohnlandschaft Alt-Erlaa (Harry Glück: 1968 –1985), durch fotografische Arbeiten von Pfeifer visuell gegenüber. 

Darüber hinaus finden über die Dauer der Ausstellung Veranstaltungen unterschiedlicher Formate sowie eine Dokumentation der bisherigen Forschungsergebnisse statt: Welche Potentiale bieten die Möglichkeiten des „Space Sharings“? Welche Ähnlichkeiten, welche Unterschiede des gemeinsamen Lebens, des Wohnverhaltens lassen sich erkennen? Lassen sich Muster der Raumnutzung beobachten, die auf die breite Gesellschaft übertragbar sind? 

Der derzeitige Wohnraummangel ist eine der entscheidendsten sozialen Fragen unserer Zeit. Das Thema des „Space Sharing“ ist dabei von großer Bedeutung für die Reduzierung des weiterhin ansteigenden Raumbedarfs in Ballungsgebieten, bei gleichzeitig nachhaltiger Revitalisierung von Stadtgebieten, Quartieren und des öffentlichen Raums.

Der Wohnpark Alt-Erlaa in Wien, von Architekt Harry Glück in den Jahren 1968 bis 1985 erbaut, behandelt durch sein einzigartiges Konzept das Thema „geteilter Raum“, wie nur wenige andere architektonische Konstrukte. Als Ausgangspunkt stellte sich Glück die Frage, wie die unmittelbaren menschlichen physiologischen Bedürfnisse in Räumen optimal befriedigt werden können – Nähe zum Wasser, zur Natur, gute Aussicht und gute soziale und technische Infrastruktur – und baute drei, jeweils 400 Meter lange Blöcke, bestehend aus 23 bis 27 Geschossen mit insgesamt mehr als 3000 Wohneinheiten. In diesen Wohnungen leben derzeit ungefähr 10.000 Menschen. Besonders sind neben den großzügigen infrastrukturellen Einrichtungen die sieben Schwimmbäder auf den Dächern der Hochhäuser sowie die Vielzahl an Gemeinschaftsräumen. 

Zara Pfeifers (1984, Köln) Serie Du, meine konkrete Utopie– welche das modernistische Wohnprojekt Alt-Erlaa darstellt – wurde 2017 im Kerber Verlag veröffentlicht, ausgezeichnet und in Europa und den USA ausgestellt. Um Erlebnisse zu fassen, nimmt sie neben einer beobachtenden Rolle einen aktiven Part ein: ob am Sozialleben in Alt-Erlaa oder als LKW-Beifahrerin auf einer Route durch Europa. Pfeifer studierte Architektur und Fotografie, in ihren Arbeiten werden räumliche und soziale Phänomene thematisiert. Neben der Fotografie kommunizieren Videos, Zeichnungen und Vorträge ihre Erkundungen.

Das Reallabor Space Sharing ist ein vom Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg gefördertes Projekt der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart unter der Leitung der Fachgruppe Architektur. Fokus der Untersuchungen ist einerseits die Nutzungsintensivierung von Raum durch Mehrfachnutzung sowie die Entwicklung von neuen hybriden Gebäudetypologien. Andererseits, die Realisierung von temporären Arbeits- und Besprechungsräumen, genannt Space Sharing Pop Ups, in öffentlichen und privaten Räumen der Kunst. 

 Mit dem Space Sharing Pop Up zieht das Forschungsprojekt nun in die Räumlichkeiten der Galerie Kernweine ein und bespielt die zweistöckige Ausstellungsfläche der Galerie unter dem Titel Sharing Happiness.

g—k Foto und Raum 

Gelöschte Daten: Hängen hier meine Bilder?

Vernissage: 10. Aug, 20h

Nothing’s Lost in Numbers: Foto-Ausstellung von Felix Gärtner und Romano Dudaš vom 10. August bis 6. Oktober 2019 in der Galerie Kernweine.

Die Exponate der Ausstellung Nothing’s Lost In Numbers stammen von 31 gebrauchten, auf eBay erworbenen Speicherkarten aus der ganzen Welt. Sie wurden von Gärtner und Dudaš mittels eines herkömmlichen Datenrettungsprogramms von den vermeintlich leeren Speicherkarten wiederhergestellt. Die zum Vorschein gekommenen Medien erlauben einen voyeuristischen Blick in die Leben Fremder – was sich dem Betrachter eröffnet, ist ursprünglich nicht für seine Augen bestimmt. 

Digitale Informationen werden auf Datenträgern als Aneinanderreihungen von Nullen und Einsen verschiedener Kombinationen abgelegt. Dieser Vorgang wird als „Speichern“ bezeichnet. Um Informationen von einem Speichermedium zu entfernen, müssen diese Zahlenstränge gänzlich mit neuen Kombinationen überschrieben werden. Beim „Löschen“ von Daten wird jedoch lediglich deren Eintrag aus dem Datenverzeichnis entfernt und der verwendete Speicherplatz zur erneuten Nutzung freigegeben. Auf die Informationen kann fortan nicht zugegriffen werden, sie existieren jedoch nach wie vor im Hintergrund. Aus den teils banal, teils kurios wirkenden Fotografien, Videos und PDF-Dokumenten erschließen sich in Kombination neue Kontexte. Während die Exponate nichts als die Realitäten anderer Menschen zeigen, brechen sie mit unseren Sehgewohnheiten, die im Zeitalter der sozialen Medien von manipuliertem Bildmaterial dominiert werden. Die Herkunft der präsentierten Bilder mag dubios erscheinen, dabei ist weder der Kauf von gebrauchten Datenträgern – hierzu zählen sowohl Laptops als auch Smartphones – noch die Verwendung einer frei erwerblichen Recovery-Software illegal. Selbst ein Laie kann mit sehr geringem technischen und finanziellen Aufwand sensibelste Daten freilegen.

Nothing’s Lost In Numbers hinterfragt die Bedeutung und Realisierbarkeit des Löschens im digitalen Raum und testet unser Bewusstsein für die eigene Datensicherheit. Das ausgediente Smartphone ist verkauft, die vertraulichen Dokumente verstauben in der Cloud und die Login-Daten für das verwaiste Facebook-Profil sind längst vergessen. Wie wichtig ist uns noch die Kontrolle über unseren digitalen Fussabdruck? Können wir unsere Spuren im Internet verwischen oder lebt ein Teil von uns für immer weiter auf den Servern des Silicon Valley? 

Der gebürtige Stuttgarter Fotokünstler Felix Gärtner (*1990) hat seinen Schwerpunkt unter anderem auf den Umgang mit „Found Footage“ und die Untersuchung von Zwischenmomenten in der Darstellung von digitalen Bildern gelegt. 2015 schloss er sein Fotografiestudium an der Fachhochschule Dortmund ab, er lebt und arbeitet in London. Romano Dudaš (*1991) lernte Felix in Stuttgart kennen. Er lebt und arbeitet in Berlin und ist zudem für die Kuratierung und Gestaltung von The Opéra verantwortlich, einer jährlich erscheinenden Publikation zum Thema Aktfotografie (Kerber Verlag). Romanos Interesse gilt dem Hinterfragen gelernter Sehgewohnheiten sowie der Rekontextualisierung verschiedener Medien.

Geleitet von Neugier aber zugleich begleitet von Unbehagen und einem Gefühl von Voyeurismus bewegen sich Ausstellungsbesuchende durch die von und Dudaš und Gärtner geschaffene Bilder-Blase aus Privataufnahmen und können sich dabei fragen: Könnten hier auch meine Fotos hängen?

Pressespiegel Nothing's Lost in Numbers_August 2019

g—k Foto und Raum 

SOMMERFEST

20.JULI
ALL DAY & ALL NIGHT

Programm: 
// PRINT YOUR OWN SOLID @GK SHOP
// OUTDOOR POOL BY Detroit-Motors

// SOUND DAYTIME: Very Good Plus - VG+
// SOUND NIGHTTIME: Franz Scala

g—k Foto und Raum 

ABK Stuttgart

Vernissage & Magazin Release: 21. Jun, 20h

Du öffnest die Augen und schaust in die grellgelbe Sonne. Sie blendet dich, Dröhnen ertönt. Du setzt die Sonnenbrille auf und erhebst dich. Eine staubbraune Fläche liegt vor dir, an ihrem Horizont azurblaues Wasser. Dein Kopf schmerzt, also drückst du eine Tablette aus der Verpackung.

Während deine Pupillen sich weiten, suchst du die Umgebung nach deinem Fahrrad ab.
Auf dem Weg zurück fährst du vorbei an Dünen und Bunkern. Du drehst den Kopf und schaust auf das nächste Bild.

Studierende der Klasse Roggan zeigen neue Werke – Fotografie, Video, Installation.

Begleitend zur Ausstellung wird das Magazin „In The Frame – Off“ zum gleichnamigen Projekt von Dezember 2018 veröffentlicht.

g—k Foto und Raum

EUROPE SPACE (Based on Grüne Stuttgart)

POP-UP @GK Laden

Vom 02.05. bis zum 26.05. entsteht in der Galerie Kernweine ein Raum an dem Europa in Stuttgart zu Hause sein wird. Ein Ort der Begegnungen und Dialoge zum Thema „Europa“, die mit Kunst- und Kulturaktionen und Diskussionsformaten vor allem jungen Wählen einen Zugang zur europäischen Idee ermöglichen soll. Initiatoren dieses Projekts sind unter anderem Anna Deparnay-Grunenberg, Michael Bloss, Jannis Seidemann, Matthias Straub von den Grünen Stuttgart und das Team der Galerie Kernweine.

PROGRAMM

02.05.     18.30h OPENING "Stars everywhere"

03.05.     20.30h EUROPÄISCHES KINO – Im Rausch der Daten

04.05.     SWEATER & SOUND
               Late Night Event

05.05.     WORKSHOP CHLOROPLAST (wird auf Grund des Wetters verschoben)

09.05.     19-22H GALERIE KÖNIG x GALERIE KERNWEINE (Happening & Live-Stream Berlin/Stuttgart)

               LIVE STREAM & HAPPENING 

10.05.     20.30h EUROPÄISCHES KINO – L’Auberge Espagnole

11.05.     20h WORKSHOP PLASTIC FREE 

               ARTIST TALK & VERNISSAGE: GIOVANNI GALANELLO X THE LOVE TRIANGLE 

12.05.     12h SPRACHKURS – Esperanto (Dr. Johannes Müller) 
               
               16.30h SCREENING OF “Roadside Radiation”        
           

16.05.     20h PAPERNESS x EUROPE

17.05.     20.30h EUROPÄISCHES KINO – Styx

18.05.     STORY NIGHT – External borders

19.05.     Let’s TALK ABOUT Future of Europe 

23.05.     18.30h WINE TASTING – Wein Moment – Nothing compares to EU

24.05.     19h ER SIE & ICH – Podcast Liveshow
               22h EUROPÄISCHES KINO – 303

25.05.     11h BREAKFAST CLUB – mit Cem Özdemir, Anna Deparnay-Grunenberg & Michael Bloss
               20h EU-Kneipenquiz
               23h EURODANCE – Times New Romance

26.05.     WAHLBRUNCH

Klimaschutz, vermüllte Meere, soziale Gerechtigkeit. Nationalismus, Protektionismus, Populismus, Brexit. Europa steht im Brennpunkt vieler Diskussionen und ist dabei oft Antwort und Problem zugleich. Europa ist aber noch mehr als das: Ein Projekt mit Vergangenheit, das immer neu ausgehandelt werden muss und eine Zukunft zu haben. Häufig wird Europa allerdings als abstraktes, weit entferntes Gebilde wahrgenommen. Dabei prägt es den Alltag von uns allen, ohne das wir es merken. Es entsteht ein Erfahrungs- und Reflexionsraum, an dem Europa wahrgenommen, weitererzählt und -gedacht werden kann, denn die Menschen in Europa sind unerlässlicher Teil dieses Projektes. Impulse sollen durch Kunst, Literatur, subkulturelle Formate, politische Diskussions- und Aktionsformate gesetzt werden. 

Die Ladenfläche der Galerie soll im Mai zu einem ständigen Raum für Europa werden. Neben permanenten Installationen wird der Raum mit einem vielseitigen Programm und unterschiedlichen Formaten von jeweils Donnerstag und Freitag After-Works, sowie Samstag und Sonntag ganztägig bespielt. Unter dem Schwerpunkt „Europa“ werden Themen wie Klimaschutz, Nachhaltigkeit, soziale Gerechtigkeit, Frieden und humanes Asyl in einer neuen Art aufbereitet und diskutiert.

Das Ziel ist es eine wahrnehmbare Resonanz für das Thema in Stuttgart zu erzeugen und durch eine ständige Präsenz von Ansprechpartnern vor Ort einen Treffpunkt für junge Menschen anzubieten, die sich über Europa informieren möchten sowie an einem echten Dialog interessiert sind. Dabei werden After-Work-Europagespräche stattfinden, ein Kneipenquiz-Abend und eine „Eurodance Party“, Workshops, Fotoausstellungen, verschiedene Kunstformate, Wahlbrunch sowie politische Gespräche und Diskussionsrunden veranstaltet. 

Der Ort kann auch für andere Initiativen und Gruppen geöffnet werden, die von hier aus für Europa oder ihre Grünen-affinen Themen werben möchten. 

g—k Foto und Raum 

ART FAIR PAPER POSITIONS BERLIN 

WE ARE IN BERLIN FROM APRIL 25-28, PRESENTING SLAVA MOGUTIN AND HIS SERIES "LOST BOYS".

COME BY AND VISIT US @position 49

location
deutsche telekom hauptstadtrepräsentanz
französische strasse 33 a-c
10117 berlin

"paper positions berlin wants this special genre to be focused on. The galleries and their artists are given a presentation opportunity, which is dedicated to the medium of paper with all its specific features, its fragility and its enormous versatility.

In the spirit of its fair concept, which refrains from classic booths and is completely tailor-made for the most sensitive exhibits, paper positions berlin deliberately focuses on a salon-like situation. The limited number of exhibitors also underlines the character of a large theme-based exhibition. The spatial design offers an open overview as well as the possibility to directly approach individual artistic works and to perceive them in a mutual dialogue." 

g—k Foto und Raum 

AUSSTELLUNG "STOCK IM ARSCH"

VERNISSAGE 23.MÄRZ 20 UHR 

Max Siedentopf (*1991) ist ein multidisziplinärer visueller Künstler mit Sitz in London, Großbritannien. Max wuchs in Windhoek, Namibia auf und arbeitete außerdem in Berlin, Los Angeles und Amsterdam. 

Er schafft unablässig Ideen über die Disziplinen Fotografie, Film, Bildsammlung, Design und Bildhauerei hinweg. Neben seiner selbstständigen Arbeit ist er einer der kreativen Köpfe bei KesselsKramer und Mitbegründer der Zeitschrift Ordinary Magazine. 

“Stock im Arsch”

In einer Zeit, in welcher wir mit einer schnell wachsenden Zahl sozialer, ökologischer und politischer Probleme konfrontiert sind, gibt es eines, das auf der Welt keinen Platz hat - Humor. Dies ist eine Zeit, um ernst zu sein, um einen festen Standpunkt zu vertreten, wir haben keine Zeit für Unsinn. Humor führt nicht zum Fortschritt. "Stock im Arsch" feiert alle mutigen Menschen, die Spaß und Gelächter ablehnen, einen einfachen Lebensstil ausschließen und stattdessen lieber die Bürde auf sich nehmen die Feier des großen Ganzen zu ruinieren. Es gibt wichtigere Dinge, über die man sich Sorgen machen sollte und das ist gerade nicht die Zeit um herumzualbern.  Die Ausstellung feiert alle Menschen, die lustige Ideen ablehnen, Personen, die leicht beleidigt sind, und Personen, die lange Kommentare in den sozialen Medien verfassen. Es herrschen erste Zeiten, wir brauchen mehr Leute mit einem „Stock im Arsch“.

Die Ausstellung ist in zwei Abschnitte unterteilt. Im Erdgeschoss können Besucher alle Möglichkeiten kennenlernen, wie sie ihren Stock selbst erhalten können. Außerdem kann man eine spezielle Auswahl an kuratierten Stöcken kaufen. Im Untergeschoss der Galerie Kernweine wird eine Auswahl von Max Siedentopf’s fotografischen Arbeiten der Serie „Stock im Arsch“ gezeigt.  

Preisliste

9.FEB 20H VERNISSAGE

10.FEB – 3.MRZ

AUSSTELLUNG

ALEXANDER STEHLE  & DAVID SPAETH

DIE FREIHEIT DES TUCHES AUF DEINER HAUT

EINLADUNG ZUR VERNISSAGE AM 9.FEBRUAR UM 20.00 UHR IN DER GALERIE KERNWEINE: KONZERT UND KÜNSTLEREMPFANG

ABOUT:

(Stuttgart) Das neue Ausstellungsjahr beginnt die Galerie Kernweine am 9. Februar mit einer einmonatigen Projekt-Ausstellung der beiden Stuttgarter Alexander Stehle und David Spaeth. Stehle und Spaeth haben sich im Jahr 2014 auf die gemeinsame Suche nach dem visuellen Ausdruck eines Apells gemacht: das Ergebnis dieser Suche ist die Foto-Strecke Die Freiheit des Tuches auf deiner Haut.

Wie werde ich wahrgenommen? Wie begegne ich anderen Menschen? Welche Emotionen rufen Begegnungen mit anderen Menschen in mir hervor? Wie gebe ich mich selbst nach außen hin?

Die Freiheit des Tuches auf deiner Haut zeigt eine Portrait-Serie, in welcher Personen mit Hilfe von Kleidung in andere Rollen steigen. Fotografisch inszeniert geben sie durch das Tuch auf ihrer Haut ein Bild nach außen ab, welches von der betrachtenden Person frei interpretiert werden kann.

Abgebildet sind Menschen unterschiedlicher Herkunft. Dabei liegt der bildnerische Schwerpunkt auf der Darstellung der Individualität des Subjekts sowie auf der Gleichheit Aller. Die Serie als fester Rahmen sowie der Fokus auf das Portrait geben Halt vor und bringen Unsicherheiten zur Geltung.

Alexander Stehle ist selbstständiger Konzeptioner, Ideengeber, Texter und Visualisierer künstlerisch-politischer Projektarbeit. Gemeinsam mit dem Fotokünstler David Spaeth, welcher die bildnerische Arbeit der Serie umsetzt, wächst die Idee der Strecke. Durch das Mitwirken der beiden Schwestern Yüksel und Aysel Yilmaz, die beide als Producerinnen tätig sind, wird die Strecke umgesetzt und um eine Video-Arbeit ergänzt. Der Videofilm Bana Bak

von Aysel Yilmaz erweitert die Serie thematisch durch eine offene, emotionale Einsicht in die Welt einer türkischen Frau, welche im Kontrast zur individuellen Geschlossenheit der Serie steht.

Ihren Aufruf nach mehr Toleranz und Akzeptanz in Bezug auf Diversität haben Spaeth und Stehle in der Serie Die Freiheit des Tuches auf deiner Haut umgesetzt. Antworten auf ihre in den Raum geworfenen Fragen lassen die Künstler dabei die Besuchenden selbst finden.

Zur Vernissage am 09. Februar um 20.00 Uhr werden die beiden Projekt-Künstler von der Band Berliner Doom musikalisch begleitet.

Foto-Strecke:

Alexander Stehle: http://www.alexstehle.de

David Spaeth: http://davidspaeth.com

unterstützt von Yüksel Yilmaz

Video:

Aysel Yilmaz (Creative Producer, Direction)

Ayla Gottschlich (Regie)

g—k Foto und Raum 

BOOKTALK

ROBERT PUFLEB "TRANSFORMER" & "ALTERNATIVE MOONS"

IN KOOPERATION MIT "METAPAPER"

Buchpräsentation: Über die Entstehungsgeschichte und den aufwändigen Druck des »TRANSFORMER« Buches werden Dirk Burger und FOTOKÜNSTLER Robert Pufleb in einem Booktalk berichten.

g—k Foto und Raum

TALK & EXHIBITION 

ISABELLE GRAEFF

"EXIT"

15.11.2018 // 20h 

"Bekannt wurde Isabelle Graeff (*1977 in Heidelberg) 2010 durch die Serie My Mother And I, bei der sie über mehrere Jahre ihre Mutter fotografisch begleitete, um ihre Mutter-Kind-Beziehung zu hinterfragen. Die Aufnahmen für ihr Fotoprojekt Exit dehnen die Identitätssuche nun auf ein ganzes Land aus. Mit einfühlsamem Blick spürte die in London ansässige Fotografin zwischen August 2015 und Juni 2016 der Krise eines Landes nach, dessen Bevölkerung spätestens seit der Brexit-Abstimmung schmerzhaft in der Mitte geteilt ist. Ein Land, das gespalten ist zwischen Menschen, deren Blick nach außen gerichtet ist und Menschen, die nach innen schauen. Ein Land, das sich auf erneute Identitätssuche begibt, derweil seine Natur unberührt von den gesellschaftlichen Entwicklungen in ihrer mystischen Schönheit existiert.
Graeff spürt diesen Umbrüchen, Veränderungen und Entwicklungen fotografisch nach. Der Feuilletonist Niklas Maak hat hierzu einen aufschlussreichen Essay geschrieben, der die Bilder auf verschiedenen Eben kontextualisiert." (Quelle: http://www.hatjecantz.de/isabe...) 

g—k Foto und Raum 

THE OPÉRA VOL. VII

In einer Welt voller Wirrungen und Debatten um die menschliche Identität bleibt eine Wahrheit immer bestehen: Der Mensch ist an seinen Körper gebunden und nur sein Geist kann diese Grenzen überwinden. In diesem Sinne ist THE OPÉRA Volume VII wieder eine Suche nach den Beschränkungen der menschlichen Körperlichkeit und wie sie durch Fantasie und Wissen überwunden werden können. Der Vorstellungskraft des Betrachters sollen in zahlreichen Fotografien und Porträts inspirierende Impulse gegeben werden, in denen das Narrativ des Menschseins zu ungewöhnlichen Perspektiven verholfen wird. Denn im Grunde der Kunst behält auch diese Wahrheit ihre Gültigkeit: Menschen interessieren sich für Menschen.

Die siebte Ausgabe erscheint wieder im Kerber Verlag Bielefeld / Berlin. Künstler sind unter anderem: Agnès Lenglet (Frankreich), Anna Ritsch (Österreich), Luo Yang (China), Jana Pausenberger (Deutschland), Gonzalo Bénard (Portugal), Bill Durgin (USA), Pola Esther (Polen), Julia SH (Schweden), Thomas Sing (Deutschland), Mayumi Hosokura (Japan) und viele mehr.

Der Herausgeber Matthias Straub und Art Director Romano Dudas stellen ab 20:00 Uhr die aktuelle Ausgabe vor. Im Anschluss wird getanzt und gefeiert zu Musik von Studio Malo und Ringo Stelzl aka Prince Bahadu.

www.the-opera-magazine.com
https://www.kerberverlag.com/de/

https://soundcloud.com/studio_malo

https://www.mixcloud.com/ringostelzl/

Alle Fotos der Veranstaltung by MAtt Smbrg 

FABRIZIO ALBERTINI, RADICI

13.Oktober 2018 – 19.Januar 2019

 EINLADUNG ZUR VERNISSAGE AM 13.OKTOBER UM 20.00 UHR: KONZERT UND KÜNSTLEREMPFANG

 (Stuttgart) Die Galerie Kernweine „Foto und Raum“ zeigt in einer Einzelausstellung die Serie „Radici“ (2015- 2017) des italienischen Fotografen und Filmemacher Fabrizio Albertini. Zur Vernissage am 13.Oktober um 20.00 Uhr sind Albertini und die Macher der Galerie Kernweine eine Kooperation mit Eda Dalboy und verschiedenen Musikern eingegangen. Es erwartet Sie eine Symbiose aus Visuellem und Auditiven, genrereich musikalisch untermalte Fotokunst in der Galerie Kernweine. 

Die Serie „Radici“ ist eine Reise von der Kindheit in die Gegenwart, die von einem Pfad an Erinnerungen beschrieben wird. Mit der deutschen Übersetzung zu "Wurzeln" geht der Schaffungsort des Projekts mit einher: Albertini wuchs im italienischen Cannobina-Tal auf und verbrachte dort einen Großteil seines Lebens.

Das Cannobina-Tal liegt in einer bewaldeten Provinz, ein verlassenes Gebiet in der Nähe des Lago Maggiore. Die Serie entstand dort, aufgebaut auf Erinnerungen von vergrabenen Spuren und Konflikten, Erinnerungen in welchen der Erfolg im Leben von der Fähigkeit abhängt einen Körper zu bilden. Albertinis Bilder erforschen die Beziehung der menschlichen Ahnen zur Natur, zum Raum und zur Wirkungskraft von Erinnerungen. Für Albertini beinhaltet "Radici’s" Vorstellung nicht nur das Bild über Cannobina, sondern auch ein privates Bild. Er schafft einen Dialog zwischen diesen beiden Feldern, die sich gegenseitig widerspiegeln und in der Serie ununterscheidbar werden.

Die Arbeit wird sowohl in Farbe als auch in schwarzweiß gezeigt und vereint verschiedene Blickwinkel: Bilder sind verschwommen und definiert, nachdrücklich und surreal.

"Radici ist eine Geschichte über Ausdauer, sie ist ein Roman über Natur, Form und Erinnerung. Das Schreiben von Radici begann im Cannobina-Tal, mit einer Landschaft aus nebligen Erinnerungen und Bildern aus der Kindheit. Nun ist sie die visuelle Ausarbeitung eines Konflikts in der Gegenwart." Fabrizio Albertini 

Durch die Kombination verschiedener Genres und Techniken ruft Albertini unterschiedliche Gefühle und Emotionen hervor, er verwandelt seine Erinnerungen in eine symbolische Reise. Sein Werk ist sowohl visuelle Erkundung vergangener Zeiten als auch eine intime Einsicht in Emotionen und Geschichte.

Die Galerie Kernweine präsentiert nun die erste Einzelausstellung des Künstlers, davor war Albertini Teil von Gruppenausstellungen, z.B: in New York (Aperture Foundation), Athen (Athens Photo Festival) und Köln (SK Stiftung Kultur). Die Foto-Serie „Radici“ wird von einer Videoinstallation sowie einem im September 2018 neu erscheinenden Buch („Radici“, Witty Kiwi Verlag) ergänzt und begleitet.

Musiker des Abends werden sein:

• das Nuance Quartett der Philharmoniker Stuttgart
•  Davide Napolitano Gil (Singer &Songwriter)
• Timo Bakowies (Singer &Songwriter)
• Marvin Holley (Gitarrist &Komponist)
• Eda Dalboy (Sängerin)
• Brotherhood Daniele & Michele Ferrazzano (DJ’s)

VVK in der Galerie Kernweine 7,5€ 

 Abendkasse 10€

Musik kuratiert von Eda Dalboy

Fabrizio Albertini Exhibition Video

Martin Grothmaak – Evertime 

Die Galerie Kernweine Foto und Raum zeigt ab dem 29. September bis zum 10. Oktober mit der Ausstellung Evertime erstmals die fotografische Arbeit Stardust von Martin Grothmaak.

Martin Grothmaak beschäftigt sich in seinen großformatigen Arbeiten mit der grenzenlosen Gegenwärtigkeit des Jetzt und dessen Auswirkung auf Zeit und Raum.

Weit jenseits herkömmlicher Normen und Bezugsgrößen sucht Martin Grothmaak dabei nach seiner eigenen Form der Interpretation und lädt den Betrachter dazu ein, sich auf ein Spiel mit den eigenen Sehnsüchten, Wünschen und der ureigenen Seele einzulassen.

Der Zuschauer findet sich gefangen zwischen zwei Polen: Leere, Dunkelheit und verborgenen Ängsten auf der einen - und Liebe, Energie, Rausch, Intensität und Freiheit auf der anderen Seite.

Es ist eine unwirkliche Geschichte, die da zwischen den Zeilen spürbar wird. Eine Geschichte, die von Liebe, Zuneigung und einer beinahe unbeschreiblichen Ergebenheit erzählt. Einer tiefen Demut vor dem Kern unserer Existenz - vor Leben und Tod und der geheimnisvollen Ewigkeit unseres Seins.

Martin Grothmaak ist Kreativ Direktor, Fotograf und Gründer des Kunst- und Design-Verlags United Landscapes und Partner von Projekttriangle, einem interdisziplinäres Designstudio. In freien und angewandten Projekten arbeitet er für internationale Institutionen und Marken an der Schnitt- stelle von Design, Kunst, Architektur und Kultur. Grothmaak studierte Fotografie, Film und visuelle Gestaltung. Er lebt und arbeitet in Stuttgart. 

United Landscapes Publishers & Galleries ist ein unabhängiger Kunst- und Design-Verlag. Es werden sorgfältig editierte und gestaltete Sammlerausgaben von Büchern, Drucken, Editionen und Kunstobjekten zugänglich gemacht. Mit evertime präsentiert United Landscapes erstmalig seine erste Publikation.

VERNISSAGE UND KÜNSTLEREMPFANG: 29.09, 20H
PRESS PREVIEW: 26.09, 17H

Die Galerie Kernweine, Foto und Raum, ist diesjährig zum ersten Mal Teil des Galerienrundgang

ART ALARM in STUTTGART!

SA. 22.09 /11.00 – 21.00 Uhr 
SO. 23.09 /11.00 –18.00 Uhr

g –– k Foto und Raum 

WIR FEIERN UNSER SOMMERFEST

AM 18.AUGUST AB 12.00 UHR, DEN GANZEN TAG, DIE GANZE NACHT!

// BARBECUE & ICE-CREAM & BOWLE 

// WORKSHOPS UM DAS FOTO UND DIE GALERIE 

// LIVE MUSIK 

// WASSERSPAß

g—k • WOKASOMA ___ The Disposable Diary

Die Galerie Kernweine zeigt Auszüge der WOKASOMA-Edition "The Disposable 
Diary".

Eröffnung am Freitag, den 27. Juli 

//19.00 UHR
KÜNSTLERGESPRÄCH und PERSÖNLICHE FÜHRUNG mit  Florian Schröder 

// 22.00 Uhr - till late 
SOUNDCOLLAGE by Bauhouse x Midnight Service

(Markus Grund/ Jakob Mäder /Kiehl /AD!)

Sonst eher für stilistisch reduzierte Vektorgrafiken und Siebdrucke bekannt, zeigt Florian Schröder im Rahmen seines WOKASOMA-Pop-Art-Konzeptes dieses Mal ausschließlich Fotografien.

Alle Arbeiten des ursprünglich als "Disposable Diary" geplanten Projektes wurden mit einer handelsüblichen Einwegkamera aufgenommen.Somit reduziert sich das künstlerische Konzept auf ISO 400 Film, ein einfaches Plastikobjektiv und 27 Bilder pro Kamera.

Mit der Einwegkamera als ständigem Begleiter fotografiert Florian Schröder z.B. die südafrikanische Rap-Rave-Band Die Antwoord,Hip Hop-Legende KRS One oder das Berliner Gesamtkunstwerk Rummelsnuff.

Des Weiteren romantische Landschaften, rumänische Bettelbanden, Denkmäler, Nachtleben, Katzen, und Kunst-Installationen.Keines der Motive ist inszeniert, alle Bilder dokumentieren den Moment unverfälscht. Zufall und ästhetische Unvollkommenheit sind Teil deskünstlerischen Konzeptes, die technischen Einschränkungen arbeiten der Idee zu.

Für die ersten Besucher der Ausstellung (Beginn: 19 Uhr | Freitag, 27. Juli) liegen Ausstellungsplakate zur Mitnahme bereit. Auf Wunsch vor Ort vom Künstler signiert.

Das im Mai erschiene Hörbuch zum Roman "Sage mir deine Freunde" von Florian Schröder findet Ihr u.A. bei Audible (https://adbl.co/2InPgqd)
oder Spotify (https://spoti.fi/2IO9rRB).
Die Videos seiner Band "Opus Leopard" auf youtube (https://bit.ly/2MlJXsV).

Weitere Informationen über WOKASOMA hier -> www.wokasoma.com

ABOUT FLORIAN SCHRÖDER:

WOKASOMA ist der konzeptionelle Markenname des Pop Art-Künstlers Florian Schröder (*1980).

Florian Schröder, beruflich ehemals in der Werbeindustrie tätig, ist bestens vertraut mit den Schmuggelrouten zwischen Kunst und Kommerz. Methoden aus der Werbe- und Konsumwelt zeigen sich in vielfältiger Form 
in seinen Arbeiten.

Der fiktive Auftritt als Marke und deren wiederkehrende Corporate Identity sind Stilmittel und Weiterführung der Pop-Art-Idee. Plakative Bildsprache, Ovation der Trivialkultur und maschinelle Reproduktion sind hierbei Wiedererkennungsmerkmale von WOKASOMA. Sprich: Der Künstler wird zur Marke und die Kunst zum Franchisekonzept.

Mit WOKASOMA erarbeitet der Künstler etappenweise Editionen, die sich als abgeschlossene Kapitel verstehen.
Im interdisziplinären Gesamtwerk befinden sich Drucke, Fotografien, Musikvideos, Veranstaltungsreihen, Filme, Kleidungsstücke,Spielzeug und Tonträger.

Als Frontmann der Synthie-Pop Band OPUS LEOPARD veröffentlichte Florian Schröder die Alben "Futter für die Götter" (2015) und "Kunst oder Katze" (2016). Auftritte als Musiker hatte er unter anderem in Paris, London, Berlin und Moskau.

Odiseo Vol.12 “Uniformity”

20.Juli 20 Uhr  

// Book Launch 

// Exhibition by Turkina Faso

about:  

g –– k Foto und Raum 

WM 2018 in der Galerie Kernweine 

14. Juni 17 H
Anpfiff

// Release gk WM-Kollekion im Laden 

// Public Viewing im Hinterhof

// Space Food & Wodka in der Cafébar

// Ausstellung "lost boys" von Slava Mogutin in der Galerie

PUBLIC VIEWING an folgenden Terminen/Spielen 

14.6 17.00 Uhr AUFTAKTSPIEL

17.6 17.00 Uhr DEUTSCHLAND/MEXIKO

23.6  20.00 Uhr DEUTSCHLAND/ SCHWEDEN

27.6 16.00 Uhr SÜDKOREA / DEUTSCHLAND

&&&&& auf Zuruf! 

gk - KOLLEKTION

IM RAHMEN DER WM BRINGT DAS TEAM DER GALERIE KERNWEINE EINE EIGENE LIMITIERTE KOLLEKTION MIT T-SHIRTS & SCHALS HERAUS !

LAUNCH DIESER IST EBENFALLS AM 14.JUNI, IM LADEN DER GALERIE.

Ausstellung 

Slava Mogutin „Lost Boys“

09.06.2018 – 23.09.2018

Künstlerempfang und Eröffnung: 09.06.18 20Uhr

Die Galerie Kernweine „Foto und Raum“ zeigt in der Ausstellung „Lost Boys“ Arbeiten des russisch-amerikanischen Multimedia Künstler Slava Mogutin. „Lost Boys" zeigt das Portrait einer „stark-zerbrechlichen“ Jugend, die Mogutin über mehrere Jahre in Russland aufgenommen hat.

Geboren in der Industriestadt Kemerowo im Herzen Sibiriens, wurde Mogutin wegen seiner ausgesprochenen queeren Schriften und seines Aktivismus aus Russland verbannt. Er war der erste Russe, der auf Grund von homophober Verfolgung in den USA politisches Asyl erhielt. Jahre nach seinem Exil wurde Mogutin mit dem Andrej-Bely-Preis ausgezeichnet, einem der renommiertesten Literaturpreise in Russland. Er kehrte zurück, um den Preis entgegen zu nehmen und dokumentierte Russlands Transformation in einer Reihe von Porträts, die er in Moskau, St. Petersburg und auf der Krim aufgenommen hatte.

In Lost Boys fängt Mogutin jugendliche Subkulturen ein, die durch den rapiden wirtschaftlichen und politischen Wandel geprägt waren, junge Männer aus verschiedenen Lebensbereichen - von Soldaten und Militärkadetten bis hin zu Punks, Skinheads, Ravern, Obdachlosen und Straßenhändlern. Er untersucht Russlands postkommunistische Vergangenheit und seine neokapitalistische Zukunft, ohne sie zu verschönern oder zu verurteilen. In dem Land, in dem Uniformen traditionell Macht, Unterdrückung und Konformität symbolisieren, feiert Mogutin Vielfalt und Nonkonformismus in der Hoffnung auf eine bessere, gerechtere und offene Gesellschaft.

"Diese Fotos sind sowohl persönliche Zeitkapseln als auch Kommentare zu Vertreibung und Identität, Anhaftung und Unzufriedenheit, Obsession mit der Jugend und - vielleicht am wichtigsten - das ultimative Streben nach eindeutiger Liebe und universeller Akzeptanz, vom Osten in den Westen und zurück in den Osten. " Slava Mogutin

Lost Boys wurde ursprünglich in Mogutins erster New Yorker Solo-Show vorgestellt und später seine erste von Kritikern gefeierte Künstler-Monographie und Wanderausstellung mit mehreren Vorstellungen in Krakau, Prag, Luxemburg, Madrid, Buenos Aires, Thessaloniki und zuletzt Budapest als Teil der Golden Boundaries: Jugendkultur in der zeitgenössischen Fotografie. Für die Ausstellung in der Galerie Kernweine wird eine limitierte Edition an Prints kreiert, welche im gk-Laden erhältlich sind.

Mogutins Fotografie wird begleitet von einer Videoinstallation von Kurzfilmen, die in Zusammenarbeit mit Brian Kenny, Gio Black Peter, Bruce LaBruce, Edmund White, François Sagat und Susanne Oberbeck von No Bra entstanden sind.

Die Galerie Kernweine möchte sich im Sommer, in Anlehnung an die FIFA Fußball Weltmeisterschaft in Russland, mit diesem Land beschäftigen. Russlands Diversität soll durch verschiedene Aspekte und Sichtweisen in Form von Happenings, Künstler-Gesprächen (TBA) und der Ausstellung Lost Boys aufgezeigt werden.

180611 Slava Mogutin Übersicht 

• Exhibition Video 

g—k • MACK 

MACK BOOKS POP-UP & TALKS 
7. MAI –– 27-MAI 

about: 
MACK Pop-Up in the shop of Galerie Kernweine and presentations by First Book Award Artists:
- Both Kristina Jurotschkin and Hayahisa Tomiyasu were shortlisted for the MACK First Book Award in 2017 and 2018 respectively.
- g –– k Shop presents 16 selected MACK books for 3 weeks 

9.MAI 20 H: MACK BOOK TALK WITH KRISTINA JUROTSCHKIN  

24.MAI 20H: MACK BOOK TALK WITH HAYAHISA TOMIYSAU  

Der MACK First Book Award ist ein fotografischer Preis, der Künstler/innen verliehen wird, die zuvor noch keine Buchpublizierung hatten. Der Preis wurde 2012 in’s Leben gerufen um junge und aufstrebende Fotografen in ihrem Schaffen zu unterstützen. Der Aufruf zur Einreichung von Beiträgen betont eine Vorliebe für Projekte, die in Buchform konzipiert sind: Werke, die durch das Buch eine Stimme finden.

"PORSCHE DRIVER'S SELECTION"

GALERIE KERNWEINE EXHIBITION & INSTALLATION 

Fr 20.April 18.00 Uhr –– So 22. April 18.00 Uhr


ABOUT: 
Offizielle Produktpräsentation der Art Edition Le Mans Hattrick im Rahmen einer Ausstellung in der Galerie Kernweine.
Der Fokus liegt auf dem dreimaligen Le Mans Sieger 919 Hybrid. Dabei wird ein original Siegerfahrzeug ausgestellt und die Le Mans Hattrick 919 Hybrid Art Edition by Prosche Driver's Selection präsentiert.

g—k • HARTMANN BOOKS
IM GESPRÄCH ÜBER

DO 12. April — 20H

Booktalk mit Andreas Langen, Markus und Angelika Hartmann 

„Lasst uns preisen die großen und kleinen Bücher, die spannenden und langweiligen.“
Ein Abend über Fotobücher, das Büchermachen, -verkaufen, -konzipieren,
von Syrakus bis Stuttgart, von Bielefeld über Berlin nach Boston und Bangkok.“

ÜBER HARTMANN BOOKS:
Hartmann Projects fördert und vermittelt Künstler und ihre Arbeiten mit einem Schwerpunkt auf fotografischen Projekten.

Hartmann Books vertreten Künstler national und international und arbeiten mit Institutionen, Galerien, Sammlern, Verlagen und Medien zusammen. Hierfür konzipieren, kuratieren und vermitteln sie Ausstellungen und verlegen (wenn sinnvoll) Bücher und Künstlerbücher. Dahinter steckt die einfache Erkenntnis, dass alle Kunst Sichtbarkeit und Wahrnehmung braucht.

AGORA42 MAGAZIN RELEASE 

"ALLES IN ORDNUNG?"

// am 28.MÄRZ um 20.00 Uhr

TALK: 
agora42 und Rafael Capurro

ABOUT: 
Anlässlich der neuen Ausgabe der agora42 zum Thema ORDNUNG unterhält sich die agora42-Redaktion mit dem Informationsethiker und Philosophen Prof. Dr. Rafael Capurro über wirtschaftliche und staatliche Ordnung, über Sinnbildung und Sinnverlust, über Grenzen und über die digitale Zukunft.

PETER GRANSER – 9 aus 9

// Booktalk am 22.März, 20:00 Uhr

ABOUT:

Peter Granser wird im Gespräch mit Tobias Wall in der Galerie Kernweine einen Einblick in seine fotografischen Werke, die damit verbundenen Wandlungen sowie die Entstehung seine Bücher geben.

Granser hat zwischen 2003-2018 neun Bücher veröffentlicht. Während in den früheren Projekten der Mensch in seinem jeweiligen Lebensumfeld im Mittelpunkt stand, sind seine gegenwärtigen Arbeiten eher abstrakt und konzeptionell. Ausschnitte und konzentrierte Details statt Narration – ein Mosaik im Grenzbereich zwischen dem Gewöhnlichen und Außergewöhnlichem, das jeder Betrachter selbst zusammensetzen muss. Peter Granser lebt in Stuttgart und führt mit Beatrice Theil seit 2015 den ITO -Projektraum (http://ito-raum.de).

In Kooperation mit der Galerie Kernweine werden zum Anlass der Veranstaltung neun limitierte, signierte Boxen „Neun aus Neun“ von Peter Granser mit neun Fine Art Prints produziert. Zusätzlich werde alle Bücher von Peter Granser im gk-Laden erhältlich sein.

Die Galerie Kernweine „Foto und Raum“ zeigt in der Sammelausstellung „Rebecca Storm & g – k Editions“ Arbeiten aus der Editionsreihe der Galerie, sowie eine größere Serie von Rebecca Storm (CAN).  Differente junge, zeitgenössische Fotografie wird gegenübergestellt um verschiedene fotografische, visuelle und inhaltlich Ansätze aufzuzeigen.

 Die Ausstellung wird über die zwei Stockwerke der Galerie gezeigt. Auf der ersten Ebene der Galerie werden die fünf Künstler/innen Fabrizio Albertini (IT), Felix Gärtner (GB), Eddie O’Keefe (USA), Maya Rochat (CHE) und Aizawa Yoshikazu (JPN) ausgestellt. Leitmotive sind vor allem die Natur sowie das Portrait.

 Im Untergeschoss der Galerie liegt der Fokus auf einzelne Arbeiten (2015 -2017) von Rebecca Storm. Die Künstlerin wuchs im pazifischen Nordwesten auf, lebt und arbeitet momentan in Montreal als Autorin, Herausgeberin und Fotografin. Ihre Arbeiten beschäftigen sich mit Synästhesie und ergründen durch dieses Hauptaugenmerk größtenteils das Stillleben. Sie interessiert sich für die Spannung, die in der Gegenüberstellung von scheinbar unangenehmen Texturen und Farben besteht und setzt in ihren Bildern Themen wie (fehlende) Weiblichkeit, Verhüllung, Altern und Genuss um. Storm fotografiert ausschließlich analog, was ihrer Einstellung und Faszination zum Habtischen noch mehr Ausdruck verleiht.

„Ich interessiere mich am meisten für Skulpturen und Stillleben und beziehe dabei oft unbewegliche Gegenstände ein, die im Allgemeinen eine eindringlichere Schilderung der menschlichen Psyche darstellen, als ein Porträt das kann.“ (Rebecca Storm)

CONSTANTIN SCHLACHTER & NUMÉRO BERLIN 
FINISSAGE IN DER GALERIE KERNWEINE 

Samstag, 3. März 

20H TALK MIT HENDRICK LAKEBERG 
22:30H SOUND BY FATÄK

Zur Finissage der Einzelausstellung wird ein offenes Gespräch zwischen Hendrik Lakeberg, Chefredakteur des Kunst- und Modemagazins „Numéro Berlin“, und Constantin Schlachter stattfinden. Fotografische Schnittmengen von Kunst und Mode werden das übergeordnete Thema sein. Ergänzend wird eine Video-Collage zur Kollaboration von Schlachter und dem Magazin gezeigt. 

„La Trajectoire du Gyrovague“ wurde über einen Zeitraum von drei Monaten auf den zwei Ebenen der im November 2017 eröffneten Galerie Kernweine „Foto und Raum“, ausgestellt. Die Pariser Klangkünstlerin FATÄK wird die Finissage mit elektronischer Musik begleiten. Die so entstehende Synthese von Bild und Ton unterstützt Schlachters Hauptmotive der Natur, des Unsichtbaren und der Materie, in ihrer Wirkung. Durch seine intuitive Art zu fotografieren wurde Constantin Schlachter 2015 von FOAM Talent entdeckt. Seitdem stellt er seine Arbeiten europaweit aus und veröffentlichte zuletzt sein Buch „La Trajectoire du Gyrovague“. Durch die Kooperation mit Numéro Berlin zur Finissage wird Schlachters Werk nochmals ausgiebig beleuchtet.

Mikio Live Concert & Max Siedentopf Video Premiere

21H

ABOUT MAX SIEDENTOPF

Max Siedentopf ist ein multidisziplinärer Künstler aus London, UK. Er ist in Windhoek, Namibia aufgewachsen und hat anschließend in Berlin, Los Angeles und Amsterdam gelebt und gearbeitet. 

Max produziert ununterbrochen Ideen, die über die Disziplinen der Fotografie, Film, Bildsammlungen, Design und Objekte reichen. Abgesehen von seinen eigenständigen Arbeiten ist er einer der kreativen Köpfe von KesselsKramer und Co-Gründer des Ordinary Magazins.

ABOUT MIKIO MUSIC

Markus Zink – Schlagzeug
Fabian Meyer – Klavier
Jan Mikio Kappes – Bass

Neben konzeptionellen und freien Ansätzen werden Elemente aus verschiedenster moderner Musik in den Kompositionen verwendet um einen fesselnden Sound zu kreieren.
“Stilistisch nicht anbiedernd, sondern experimentell klangforschend im besten kreativen Sinne.”
(Hans Kumpf/jazzpages.com)

THE OPÉRA  — MAGAZIN

Classic & Contemporary Nude Photography
Volume VI

19:00 Uhr Vernissage  mit einer Einführung des Herausgebers Matthias Straub.
Im Hof der Galerie gibt es dazu Glühwein und Bratwurst. 
Gegen 22:00 Uhr legen St. Malo & Ringo Stelzl aka Prince Bahadu im basement der Galerie auf. 

Die Galerie Kernweine Foto und Raum eröffnet mit einer Einzelausstellung des französischen Fotografen Constantin Schlachter.

Constantin Schlachter (*1992) arbeitet hauptsächlich im Bereich der Fotografie, hat Natur, das Unsichtbare und Materie als vorherrschende Einheit seines Werkes zum Thema gemacht. Damit schafft er sensorische Fiktionen, während er Reminiszenz, geistige Landschaften und eine spirituelle Rückkehr zur Natur in Augenschein nimmt.

Schlachter hat im Jahr 2014 sein Diplomstudium der Fotografie an der Gobelins, l'école de l'image in Paris abgeschlossen.

In der ausgestellten Werksgruppe La Trajectoire du Gyrovague (franz. der Weg des Wandermönchs) reproduziert Constantin Schlachter mithilfe verschiedener Medien, Kameras und Mikroskope sowie analoger und digitaler Bildbearbeitung ein gewisses Gefühl, das er durch die Landschaft und deren Details erfahren hat. Jedes Medium und jeder Prozess entspricht jeweils einem bestimmten Gemütszustand. La Trajectoire du Gyrovague ist eine innere Suche in geistigen Landschaften, in denen die Begriffe „mikro-makro“ und „organisch-mineralisch“ vertauscht werden. Daraus entsteht ein Kreislauf, in dem Gegenstände immer wieder neu erfunden und verwandelt werden. Wie in einem alchemistischen Prozess dienen diese Verfahren zur Wiederzusammenfügung der Gegensätze und lassen den Betrachter daran teilhaben.

Die Werke der Strecke La Trajectoire du Gyrovague werden für drei Monate über zwei Ebenen der Galerie ausgestellt. Schlachter veröffentlicht ebenfalls im September 2017 sein Buch La Trajectoire du Gyrovague und wird zur Vernissage mit elektronischer Musik von der Klangkünstlerin Fatäk begleitet.